Em uma pintura do falecido artista colombiano Fernando Botero (1932-2023), uma mulher vestida de verde olha diretamente para o espectador. Ao fundo, há uma paisagem natural, enquanto um véu transparente cobre seus cabelos escuros e cacheados. Junto com suas sobrancelhas quase imperceptíveis, esses elementos fazem o retrato lembrar claramente a Mona Lisa, de Leonardo da Vinci. No entanto, a obra reúne todas as características que a tornam inconfundivelmente de Botero: a figura tem um corpo arredondado, uma cabeça grande e traços pequenos.
Mona Lisa (1978) é uma das muitas obras em que o pintor e escultor reinterpretou algumas das pinturas e imagens mais famosas do mundo por meio de seu estilo característico, conhecido como “boterismo”. As figuras e os objetos volumosos de Botero fizeram dele um dos artistas mais reconhecidos da América Latina. “Alguns artistas têm uma linguagem muito pessoal, e Botero é um deles: você sempre vai reconhecer uma obra dele”, afirma Belén Herrera Ottino, diretora da Opera Gallery Madrid, galeria de arte na Espanha.
A filial londrina da galeria apresenta atualmente a exposição Fernando Botero: In Praise of an Amplified World (Em louvor a um mundo ampliado, em tradução livre), que poderá ser visitada até o fim de novembro. O estilo singular de Botero lhe rendeu reconhecimento internacional. Sua pintura Mona Lisa aos 12 anos (1959) foi adquirida pelo Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA) em 1961; suas esculturas de bronze foram expostas em espaços públicos de grande destaque, como a Park Avenue, em Nova York, e a Champs-Élysées, em Paris; e sua obra Os Músicos (1979) alcançou o preço de US$ 5,1 milhões em um leilão da Christie’s de Nova York, em novembro de 2023, dois meses após sua morte.
Mas o que está por trás do estilo característico de Botero e o que ele pode revelar sobre a história da arte na Europa e na América Latina? Para Botero, exagerar os objetos e as figuras era “uma forma de celebrar a presença das coisas”, afirma Herrera Ottino. Ela acrescenta que também era uma “celebração da vida e da sensualidade da natureza”. Ao longo da vida, ele costumava explicar que o principal objetivo de suas obras era elevar o ânimo de quem as contemplava, algo que, em sua opinião, a forma e a cor, em particular, eram capazes de fazer.
“Para ele, estava claro que, ao longo da história, o propósito da arte era proporcionar prazer”, acrescenta o filho do artista e ex-ministro da Defesa da Colômbia, Fernando Botero Zea. As origens do boterismo remontam a 1956, quando Botero morava na Cidade do México. Ao pintar Natureza-morta com bandolim (1957), ele desenhou acidentalmente uma abertura acústica pequena demais no instrumento e “sentiu que o bandolim adquiria um volume e uma forma desproporcionais”, conta Botero Zea à BBC. “Foi naquele dia que nasceu o estilo de Botero.”
No Museu Botero, em Bogotá, na Colômbia, também é possível ver numerosas pinturas, desenhos e esculturas do artista, além de peças de sua coleção pessoal, que inclui obras de Picasso, Monet e Dalí. Quando doou essas obras ao Banco Central da Colômbia, responsável pelo museu, em 2000, “ele estava relacionando sua própria obra à tradição europeia”, explica à BBC Nicolás Gómez Echeverri, diretor de artes do banco. “Ele está dizendo aos visitantes: ‘Meu nome está no mesmo patamar que o desses outros artistas’.”
